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龙江美术讲堂:2017青红皂白黑龙江省青年艺术家邀请展研讨会


发布日期:2017/9/21 点击次数:1267

 

龙江美术讲堂:2017青红皂白黑龙江省青年艺术家邀请展研讨会
时  间:2017年9月2日下午3点
地  点:黑龙江省美术馆
主持人:田卫平

策展人田卫平教授主持

田卫平:咱们开个座谈会。黑龙江省美协主席吴团良、秘书长李振宇老师在座的各位都认识,掌声表示欢迎。还有一位嘉宾:浙江工业大学艺术学院教授杜宝印先生,来看咱们的展览。杜教授是我们国内著名的当代艺术家,他的作品产量极高,我印象里有几千件作品,画的很轻松、很当代,有思想,有风格。于显达老师大家都认识,是我们省里美协理论艺术委员会的主任,是我们省非常有影响的理论家,这次于老师跟我说要听听大家对自己创作的感想、认识,于老师要就这个展览写一篇文章。
咱们开始,艺术家简单介绍一下自己创作的思路,风格和追求,还有题材的选择、技术的表现,从这几个方面大家都谈一谈。我们这个画册上,每位参展艺术家自己也写了一小段,大家可以根据那个再展开说一说。


这样吧,就按照画册上的顺序来,一个一个往下说,每个人都说一说。我们这个座谈会大家谈自己的创作思路、创作感想,美术馆要留一个历史资料。这次青红皂白展是第二届,做几届以后把美术馆收藏的作品合起来做一个大型的青红皂白展,留下文字资料和图像资料,为以后编辑大型画册做准备。现在就开始吧,头一个是王占坤。

参展艺术家王占坤女士发言

故城旧影——1920年代的哈尔滨道外二十道街  

布上油彩  140X100CM 2016

王占坤:让我在研讨会上发言,说实话,我很有些惶恐。 因为,绘画艺术博大精深,而我,仍是一个在艺术道路上努力探索的人,所以,今天我要说的,只是我的心情和对绘画的感悟,和大家一起分享。 首先绘画对我来说,最主要的是喜欢和享受,我想喜欢绘画的人都会有这样的感受:笔在纸上划过的感觉是迷人的,甚至笔与纸接触的声音都会令人欣悦。画画很奇妙,一笔一划,所有的细节和整体在形态上需要有绝对的一致,却又是那样不可思议的独立,让你欲罢不能, 促使你去写去画,是不需要特别的意志力的。可以说是绘画本身的魅力吸引我去用功、去投入精力一遍遍地刻画,乐趣无穷。我此次展出的是《故城旧影》系列作品,主要表现哈尔滨--这座开埠迄今不过百余年历史的城市。哈尔滨从二十世纪初迅速崛起,成为国际商贸的大都市、东西文化交融的艺术之都。由于开埠之时,侨民聚居,国际色彩浓郁,这也使得整个城市的风貌、习俗洋味十足。特殊的历史条件形成了特殊的城市风景,独有的复杂经历造就了独有的街道景观。这里有各种风格的欧式建筑,多元的文化使这座城市充满异域风情。在创作选题的构思上,我以二十世纪初哈尔滨的街景、著名的商圈为表现内容,反映当时的繁荣景象。从绘画表现风格上说,风格即人,我用我法,主要是采用写意加单色系的情感表达。这里所说的单色系并不是纯粹的无彩色系统,而是采用微弱的色相差别,微妙的冷暖对比,用紫灰、红灰、棕灰、黄灰、蓝灰等低纯度的色彩语汇去表达。在弱化了彩度之后,形态、节奏、明暗、虚实、笔触、肌理等造型要素可以形成更集中而单纯的张力。采用低纯度色彩系统目的,是要突出画面的结构和色彩的极简元素,这一选择虽然舍弃了外在的漂亮,弱化了世界的色彩表象,但由于色的削弱,画面上其他要素则更加彰显。采用低彩度的单色系的色彩表达方式,可以更准确地传达出《故城旧影》主题的精神内核--逝去的故城,褪色的旧影,淡淡的忧伤。《故城旧影》系列作品从绘画创作的技术手法上说,属于直接画法加多涂层叠加画法。既有一次性挥洒的浪漫的直接表达,又有反复多次的多涂层绘制,是一种有意识和无意识相结合的技术手段。这种多层叠加画法使画面形成厚薄相生的很多涂层,有揭开层层叠叠的城市历史皮肤的触觉感。采用扇形野猪鬃毛笔,笔毛硬朗,即可厚堆又可薄画。在用笔上使用顺锋、侧锋、逆锋、中锋等多种行笔方法。这就是我要说的,谢谢大家。

 

田卫平:上一届青红皂白展王占坤参加了,拿了八幅小画。两年之后又推出了新的系列,我觉得她这个系列确确实实是上了一个很高的台阶,在原来的基础上拔高了。这个系列更沉稳了,更有文化的内涵,非常好的苗头,继续努力!

田卫平:下一个崔多。崔多现在旅居非洲,去了非洲之后他的画风大变,色彩的那种浓烈,那种奔放,是在他原来绘画的基础上的演变,我觉得更好,更轻松。从他的技术上来说,基本上是薄画法,画的非常好。油画或厚或薄或者是厚薄结合都可以,画薄了其实是很难的一件事儿,尤其画薄之有后再叠加涂层,画的很透明这是很难的一件事。一个涂层容易画得很薄,两个涂层三个涂层叠加,有的时候就画不了那么亮那么透明了。

参展艺术家崔多先生发言

彼岸的风景之二

布上油彩.丙烯  97X42CM  2015

崔多:大家好,我这个系列,是2015年在非洲一年的时间里创作的,这是一系列的作品,展览的这几张是这个系列的一部分。我说一下我的创作状态,画就不多说了,大家都看到了。在非洲,好多华人朋友有时间大家在一起小聚呀,聊天呀,不像我们这么聊,聊绘画、艺术其他的东西,大家没啥事儿聊一些生意上的东西,但是聊的很开心。这样一来我们做艺术的人状态不一样了,晚上的时候我就把自己想说的但不能跟别人说的画出来,就是这样的情况。刚到非洲的时候我明显感觉到亚洲文化和非洲的文化有很多不同,我有一段时间不知道干什么,经常拿着笔面对画布,表达不出来。一段时间后逐渐习惯了当地的生活,感受到当地人的热情了。在这里有一种原始的力量在吸引我,我开始重新思考原始与现代文明、人类与自然等等…… 这是2015年的创作。2016年作品和这些作品还是不一样,还是有点区别,有机会展示给大家。很高兴,因为青红皂白这个展看到很多年轻人的作品,通过青红皂白展也学到一些我认为我所欠缺的东西,我都40多岁了,想捕捉的一些东西不知道如何去表达,看到年轻画家的作品后我似乎找到了答案。这次看到青红皂白展的画家比上一次更年轻一点,让我有了很不一样的感觉,他们的作品有思考,这很重要。
谢谢大家!

田卫平:崔多这批东西我还是很喜欢,和以前不一样,我觉得画的更好了。下一个是李国达。

 

参展艺术家李国达先生发言

栏外 

布上油彩 50X50CM 2016

李国达:首先还是借这个机会向我的恩师田先生表达感谢,感谢田先生给我这次宝贵的学习机会。作为内蒙古赤峰人,我有幸在哈尔滨师范大学学习,也正是在哈尔滨的三年时间里,感觉自身有了很大的变化,在成长的过程中历练了很多。初来的一段日子里对绘画有很多困惑,想要突破却力不从心。田先生给我一个建议,还是走到户外,从写生做起,以自然为师,从发现开始。也就是这个时期,我开始对写生着迷,并一发不可收拾。先生带着我去过海林、太阳岛、朗乡等地,所走过的这些地方,我被东北壮丽的自然风貌深深地触动,我把这次写生之旅定义为《迁与迁寻》,作为一个主题进行探究。跟以前相比,有了明确的、不同的感受和追求,不是对着景物做简单的摹写,而是在自然和画面中注重感受的提升和对绘画性的追求。如何从眼中之景到心中之景,又能画出属于自己的东西,确实有一些难度。就拿画面中具体操作来说,哪怕是很小的一部分,其实还是有很多问题需要加强思考的,比如试图用薄的画法追求厚重的感觉,做了一些尝试。比如需要在较短的时间里,尽可能把自己的感受充分地表达出来,不论是观念,还是技法,这些都需要实践来解决。我觉得通过写生带给我们的滋养,长久常新,永远都不会少,而是更多。我参加这次展览的画幅都不是很大,努力在有限的画面里锤炼自己的语言,只要尊重不同阶段、不同经历和不同感受,不要忙着设定框框固步自封,在相对稳定的面貌里又有所追求就好,在我的这些画里可以看到2015到2016年间有了更明显主动的追求,无论在色彩上还是表现形式的提炼和加强上,还是有了些变化。
这些绘画只是一个阶段的总结,我特别珍惜在哈师大学习的经历,黑龙江就是我的家,并不嫌弃我这么一个不成熟的画者,一直鼓励着、激励着、滋养着我。我也衷心希望我们多做这样推心置腹的、关于绘画的深入交流,一起进步,一起成长。再次感谢师友,感谢青红皂白。

田卫平:李国达在赤峰学院工作,赤峰油画学会的副主席兼秘书长,也是很能干的一个人。下面请大龄青年刘恒伟发言。

 

参展艺术家刘恒伟先生发言



俄罗斯.莫斯科苏兹达尔镇写生系列之六

布上油画 80X60CM 2017

刘恒伟:看着大家画的画,想到我当时在文字里的一句话:生在一个不早不晚的年代。比我年长一代的画家,接受传统教育,心中自然有画,形成了自我独立风格。比我年轻一代的画家,沐浴着时代的春风,踩着新时代的脚步,清晰地为自己的绘画风格定位。而我,四十多岁不老不小的年纪,既有传统的意识,又有现代的观念,反而就找不到自己的位置!目前还不能准确定位自己风格的我,其实是我这个时期最困惑的问题,只好在这个阶段画一些写生来慢慢摸索前行的道路。所以,我现在的作品应该还是在找路的节奏中。但坚信:追求现实主义风格是我一直都要坚持走下去的路。努力学习一些有效的绘画技法,摸索着,一步步地前行。
也许表现物象的方法、意识结构都过于老化、简单,但我必须坚实的走现实主义写实风格道路,发扬传统,积极创新,丰盈自己。多思考,多学习,多感悟,找寻适合自身的媒介去研究、探察,结合传统绘画的本土性、民族性的特点,发扬时代精神,积累更多,逐渐形成自己更加鲜明的绘画语言。此次展览我的作品希望大家多多给予意见,使我能够在下一个绘画阶段清晰地完善自身,定位自己。我就不说其他的了,谢谢!

田卫平:下一个谁?老马。马忠强其实不老,但是都管他叫老马,我也叫他老马。马忠强在北京混了很长时间,对当代艺术圈是比较熟的,老马说吧。

参展艺术家马忠强先生发言

漠视系列六 

布上油彩 100X120CM 2017

马忠强:本人不善于语言表达,所以跟大家一起交流时,不太愿意说,只愿意听。我的作品在展览中大家也都看了,作品自述和一些文字资料,书上也都有。在这里我就不多说了,大家有时间可以看一看。接下来我就说一下我自己吧。2012年有两个志同道合的朋友(有绘画情怀和理想的人)给我打电话,说,咱们去北京画画吧,我当时想也没想就跟他们去了,去了以后在北京宋庄环岛一号艺术园区租了一个面积120平米的工作室,便开始了在北京的画画生涯。在北京一共呆了三年,这三年时间是我的徘徊期、挣扎期,同时也是我的沉淀期。在北京画画的这段时间我才体会到真正搞艺术的人是孤独的。我有一个大学特别好的同学叫张灏,我比较佩服,状态非常好,他基本上每天都是两点一线,除了家就是工作室。其实我到北京以后过的生活比他还简单,我就是一线,因为我工作和生活的地方在一起。那时候,我才感觉到做艺术不是很容易的事儿,首先作为艺术家要学会孤独,耐得住寂寞。尤其在画画遇到难题时,没有人能够帮到你,只能靠你自己,因为画画是一个人的斗争。只要你自己把思想和观念提高上去以后,意识到这个层次了,你才能在作品上表现出来,这就是所谓的艺术品位吧,品位上不去,你的画面永远上不去。我就说这些吧。

田卫平:大庆的女画家邱恒。



参展艺术家邱恒女士发言

嬉游记 

布上油彩 115X140CM 2014

 

邱恒:首先感谢田老师对我作品的认可和鼓励,让我有这样一个机会到省美术馆参加这个学术性、研究性比较强的展览,再感谢黑龙江省美术馆提供给青年艺术家这样的平台。简单说一下我的创作背景,近几年我的画面是以青春题材为主的,青春是个人的青春。我是85年出生的,85后的青春年代与60后70后,甚至是80后都不一样。他(她)们生活在物质无限丰富,精神却无所适从的年代,这个时代的所有东西与她们有关,又似乎无关。以这个背景为依托,我把整个世界浓缩在一个狭小的一个空间里,故事一产生,共鸣便会产生。我们的内心处在这样一个相互交换的关系当中,构成了在不同的时间、空间中发生的不同的世界。画中传统的图案和现代生活用品形成一种奇怪的和谐,两者在画面当中发生碰撞,一者试图锁住,另一者试图释放,在相互矛盾中各自又按其形态互补了画面,表达了情绪和思考。画中女孩的眼神、动作、物品等细节,无不引起我们童真般的微笑,简单而敏感,一件小礼物可以让她们很开心,一句不经意的言语也可以让她们很伤心,睡一觉醒来又是晴天。我的作品在44页,这些作品基本上都是两个女孩形象,她们的关系很微妙很有意思,相近却似乎很远,相互欣赏抑或妒忌?而画面留给观者的是我们自己的答案。近几年创作了一批这样的系列作品,在这个过程中还不是很完善,还是希望各位老师能给予批评指正。画画是要坚持的,是不能停留的,必须不断的拓展外延才能取得更大的进步。

田卫平:邱恒是80后。这次展览有好几个80后,80后是怎么想的,他们对整个社会是怎么认识的,他们最清楚。所以说80后的画,可能是80后的人或者是那个年龄段的人看的更明白一些。尤其像邱恒画的年轻女生,他们心里想的包括他们正在做的,表现的比较有意思。下面该谁了?王巍也是80后。

田卫平:王巍讲一讲。

参展艺术家王巍先生发言

漂浮7 

布上油彩 450X150CM 2017

王巍:首先在这里我要感谢我的老师,田卫平先生,谢谢他对我的认可。同时,也感谢黑龙江美术馆为我们年轻艺术家提供这样一个平台。
这次展览,我展出了我这两年新画的一个系列:《漂浮》系列。虽然画的是自然风景,但是我更想把海洋背后的隐喻表达出来。15世纪哥伦布发现美洲大陆,是欧洲殖民活动的开端,在欧洲直接引起了“商业革命”和“价格革命”,而且通过考察,探明了地球上的海洋是相通的,地球是圆的。这对科学的发展和人们宇宙观念的更新具有重要意义,更是给西欧国家的殖民掠夺开辟了道路。18世纪,英国工业革命,作为当时的海上霸主,在19世纪对中国发动鸦片战争,签订了中国历史上第一个不平等条约。风景说到底也是一种政治,因为所有的风景背后都会掺杂着人为,这就会必然涉及到控制、利用和改变。再现这些风景,我们能看到的任何一处风景,它所展示给我们的含义,都来自于背后这个交织的话语。风景既是一个地理空间,也是一个意义系统编织起来的空间,而对于我们来说,后者和前者同样重要,因为在实践中,地理空间与权力的概念是不可避免地被交织在一起。这个系列作为“殖民帝国”的一部分,我尽可能把我想表达出来的意义呈现出来。而《漂浮》系列为自然风景的一部分,从人类对于环境生态平衡,包括对自然环境加以改造并利用的文化视角出发,突出自然环境和帝国文化诉求之间的本质关系。《漂浮》系列作品,从绘画表现风格和技法上来说,具有现代绘画的平面感,但是并没有放弃深度和空间感,这些作品摒弃了体积块面的塑造,而是把深度和空间感尽可能的由边缘轮廓线体现。另一方面,我们已经进入图像泛滥的时代,在选取的照片中,尽量采用黑白图片,尽可能在创作过程中,把记忆、内心感受与绘画性结合。我就说这些,谢谢。

田卫平:王晋说说你这个Game Over。

参展艺术家王晋先生发言

GAME.OVER no.1 

布上油彩 190X130CMX3 2016

王晋:其实这个风景系列和Game Over系列,都是我对于同一问题的两种不同路径的思考结果,一个对图象的搜集和整理的结果。我为什么要画这个系列呢?咱们现在这个时代,我也是80后,我们小时候对这个影像图象感觉还不是很明显,不像90后他们跟我们又是不一样,我们长大以后才有这些电子化、数字化等等这些所谓的新鲜事物,当然现在不能叫新鲜事物了,但是几年前还叫新鲜事务,这个东西对人的日常生活、工作等各方面,包括对艺术创作的影响是巨大的。这个影响不能用好或者坏来形容,感觉很奇怪,我也对这种感觉没有一个准确的定位,所以才画了这两个系列做些探索。这个影响可能表现在你的思维,比如说80后我们小的时候没有所谓的电子科技、没有数字化,突然间数字时代到来,原来的生活,包括对世界的认识方法等等突然间就出现了巨大的变化。随着现在大家每天用智能手机,接触到各种信息,这些信息已经被人熟知了,但信息的源头或者说本来的模样是被处理过的,到我们认知的信息这中间有一个过程,而这个过程需要自己研究。我主要是从这个角度认识的,并不是说风景是风景,游戏是游戏,影像归影像,而是如何处理这些信息的问题。《Game Over》这个系列我正在请同学帮我做类似VR互动影像的东西,大概以一种互动式体验,当然这个我不能做,只能找做动画的同学帮我实现一下。

田卫平:你这个展签是Game. Over,画面上的字少了一个“.”,我认为多一个“.”更好。Game是一个意思,“.”后边的Over是一个意思,连起来又是一个意思。有那个点儿和没那个点儿是有差别的,可能有那个点儿更好。

王晋:是这样的,一开始我有这个“.”,但是有“.”的时候感觉画面有些问题,整体效果有些问题,所以又把“.”去掉了。

田卫平:实际上我觉得没事儿,“.”放上去可以变个颜色,但是它意义就变了,有“.”没“.”的意义就不一样了。游戏中战争的场面和现实社会中发生的冲突事件,带字的那个更像是游戏屏幕截屏的感觉,那边大的那张看不出来是游戏的场景,和现实联系更紧密一点。你甚至可以把游戏上头的敌人位置的标注,地形图,还有血量显示,装备那些东西画上也有点意思。干脆就是一个游戏屏幕那样也不错,你这些可以再变,我觉得是这样的。有可能是现实中的,有可能是游戏中的,两者之间可以转换。

田卫平:下面该李百鸣了,我觉得在绘画视角上你确确实实有了你自己的想法,而且确确实实做了很多尝试,你先说说。

参展艺术家李百鸣先生发言

造物志.再造.异质的山水之三十 

纸本水墨  97X45CM  2017

李百鸣:我画这个《异质的山水》之前画过一个《故园往事》的系列,那个题材画了四五年,从最开始08年我们系办画展开始。那时候反响比较好,拿了很多奖,那个系列也改变了我的生活,甚至很大程度上改变了我性格。后来因为很多原因把那个系列停下来了,有市场原因,也有客观的原因,也有我自己的原因。我后来开始画这个系列,潜意识里有一个对《故园往事》的背离感。那个画呈现出来的所有特点,我希望在这个系列里尽量回避掉。我是特别刻意想去做一些表现性的东西或者是抽象点的东西,跟我原来用传统水墨表达具象的房子、空间、细节那些东西拉开些距离。现在看起来,这一点还是做到了。

这个系列画了大概30多件,画了两年,画的很慢。突然有一天看这些画的时候,有了一些不一样的想法。我一直以来都认为这个画是很具现代性的,跟我们传统观念中的国画是不一样的,这个从画面上很容易能感觉到。另一方面,我回想到传统文人画不是为了画山而画山,不是为了画树而画树,不是为了画房子而画房子,而是通过具体形象来表达生活感受和情绪体验,这是很抽象的东西,画里的房子也好、树也好、流水也好、云也好,都是说事儿的借口,形象本身的“如实”或“再现”退居在一个次要的位置了,这点也很好理解。从这一点反观,我发现我画的这些山石云水,这些不太符合现实的景观,也有点这个感觉。我的意图并不是说我想画那个“山”本身,我实际上想说另外一个东西,就是“时间流逝”,我们面对山,面对自然的时候,我们首先感觉到的是与“时间的流逝”相关的概念,以及与此相关的情感触动。这样看来,实际上我还是想表达山水之外的东西。所以从这一点来看,我突然发现这个看似背离传统的系列着实是挺传统的。正因为有了这样的看法,接着再看这些画,里面的笔墨程式化的语言,包括皴擦点染的技法和通过形象营造意境,进而带动情绪的手法完全是传统中国画的路数。想到这些,我突然觉得画画是件特别好玩的事儿。我是希望完全可以回避掉我以往学到的或者我熟悉的那些东西,走另外的一条路,这两年我就是在这个方向走,我走的很彻底,每个人看到也会说不像他们观念中的中国画,可是突然有一天我发现其实我画的很传统,甚至是特别传统。从那一刻我开始真正了解了中国画,我真正开始了解了所谓的传统。


另外这个系列给我比较大的触动,是关于作品背后的主题或者逻辑线的构建是很重要的事,这个跟我之前画《故园往事》的时候很不一样。以往,很多时候是先有题材后有主题的梳理,因为我画老房子,我想表现这个题材,进而用水墨媒材来呈现,所以对《故园往事》来说,是先有素材,再依据素材来梳理主题。这个异质的山水不一样,这个构思经历时间很长,可能与我近几年的生活和感受有关,先是有了孩子,后来孩子做过一次手术,包括我自己大概一两年身体不是很好,所以,相较于以往,我对于时间特别敏感,或者对于时间的流逝这件事有了与以往不同的感受。这就成了这个系列的主题,有了主题和线索,再组织素材,摸索技法和章法构成,所有的后续元素都围绕着要阐述的主题来构建。这使得我发现,当你有一个切实可行逻辑的时候,在这个逻辑线以下所有的东西都是可以在画面里成立的,不管是山川的形状、云水的组织方式,它的架构、它的颜色、它的整个画面布局不管有多么异于客观,只要符合自我设定的逻辑线,并且是自恰的,能自圆其说的,那么它就是成立的,而且人们普遍能感受到画背后还有一层意思在,这层意思隐藏在画面构造的形象系统之下。这是我在这个系列的创作中汲取到的经验,和我以往创作的路数不同,所以我觉得这些新的创作起码对我自己而言是相当有价值的。


最后特别感谢田老师,我跟田老师因缘很深,尽管大概十多年间在不同场合见面不超过十次,中间有过几次短暂的交流,但他对我很关注,给我很多中肯的意见。因为他在西画和设计领域的深厚素养,使得他看国画的角度和许多国画出身的前辈很不一样。这使得我受益匪浅。

田卫平:百鸣接触的不是很多,我们俩实际上是差了一辈人,也是属于君子之交,有机会见面的时候主要都是看画,有几次他拿画到我工作室给我看。因为我也画过国画,我对国画也明白一些,但是后来没画国画的原因……说句实在话我觉得画国画不过瘾,后来就不画国画了。看百鸣的画,我提的最重要的一个建议就是画国画的人要明白画面构成,这个构成是非常重要的。不管什么画,版画、油画、水彩、国画,要是没“势”的话,什么画都不成立。我给你提过最关键最中肯的建议,一个字儿,就是画面要有“势”。第一眼看的就是“势”, “势”决定了,才能到近处看细节,“远观其势,近观其质”,这是古人说的,不是现代人说的。现代人不见得有多少人能把握这几个字,尤其画国画的人,掉进传统堆里再往外拔很困难。我觉得你这个系列最大的改变在“势”这一块。“势”对画画的人来说是要命的东西,很多人画一辈子还是不知道这个东西。

田卫平:王宏。

参展艺术家王宏女士发言

城市记忆之星影  

纸本水墨  69X138CM 2016

王宏:大家好,首先我还是要感谢田老师精心策划的“青红皂白”2017黑龙江青年美术家邀请展,之前我和田老师并不熟悉,但是田老师的名字在我上高中的时候我就已知晓,他的作品我也特别喜欢,这次有幸被田老师选中我的作品参加本次展览,非常开心!感谢黑龙江美术馆对本次展览的大力支持,并且收藏了我的作品,感谢李振宇秘书长在百忙中出席。这里还坐着一位我的高中老师,刘恒伟老师,感谢老师的培养。


下面我来介绍一下我本次展览的作品,我的作品是《城市记忆系列》,是描绘哈尔滨城这座城市的建筑,因为这里是我生命开始的地方,所以这里也是留住记忆最多的地方,童年直至今日都是在哈尔滨度过的,记忆中满满的都是哈尔滨的美丽景色。从上小学开始就坐在江边开始写生,画江畔餐厅、画防洪纪念塔、画索菲亚教堂,这些记忆永远挥之不去。到大学之后我选择的专业是装饰艺术,与纯绘画有些脱离,毕业工作以后的最近几年和各种原因又重新激起我的创作欲望,在选择创作题材和内容上通过多次思索,最终想表达的依然还是我对家乡的情怀,一些建筑景致才是我发自内心能表达的。之前画了大量的壁画,壁画创作中运用过许多不同材料,最终摒弃了我以前用的一些油画、岩彩、综合材料等,最终选择了水墨。水墨挺符合我自己的,每当看到水和墨交融的过程我就会有一些兴奋,发掘它的偶然性与不确定性,创作出来的作品也很符合我内心的感受。众所周知,自1980年代以来有很多艺术家和理论家在坚持着梳理“现代水墨”、“抽象水墨”、“表现性水墨”、“都市水墨”、“实验水墨”、“当代水墨”的概念,我也研究和试验了很久,其实这些都是在强调“当代性”,而我们所谓的“当代性”是一种人们与自己所处时代的歧异联系,它既依附于该时代,又与该时代保持距离。


我的作品也吸取了前人对水墨的研究,更多的想折射出与传统水墨艺术表现对象全然不同的当代文化,而不断改造、扩展、更新了艺术的语言,构建了水墨媒介或水墨方式的新世界,这个世界可以是水墨的、工笔的,也可以是超现实的、甚至是行为的、观念的。用当代水墨的表现形式来展现我的内心世界,“少无适俗韵,而无车马喧”,我的作品和我的本性一样,不追慕都市繁华,而寻觅幽静的生命家园。笔下的教堂、街道、草木散发着幽静的气息。虽在日常生活中习以为常,但我们从生命意味上而言,我们只是过客,不曾有过些许的停留。熟识又陌生的记忆,在似曾相逢中流逝。但历史并不是时光机,而是繁华落尽的枝头。只有在心灵本真处,才能触及生命的意味。


《城市记忆》系列以宿墨融入现代的叙事节奏,在浓墨和淡墨的比对融通中,通过墨色来表达自我的情感。宿墨清晰的笔痕镌刻着城市历史的痕迹,通过泼墨和反复渲染来使绘画的肌质更加丰富多样,凸显出墨色的多层次性,通过印象式的书写,来抽象出对城市精神实质的呈现,通过中心教堂的绘画图式来抒发自我内心的情感,而不是简单的怀旧和回忆。城市并不是简单的生活场所,而是汇聚多种元素的场域。时间维度和空间维度在这里聚合,不仅留下了多样化的历史经验,也影响着在物理空间中的人们,以熔铸了城市文明的方式存在着。因此,我作品已不是简化的地形景观,而是时代和内心的印记。哈尔滨是一个可以作为家的地方,绘画不在生活的别处,而在生活的当下。我就说这些吧,谢谢大家!

田卫平:朱晶。

参展艺术家朱晶女士发言

一切随心  

纸本水墨  68X68CM  2016

朱晶:我首先要感谢田卫平老师,谢谢老师策划了这么一个格调、品质都极高的展览,还要感谢省美术馆提供了这么好的一个平台收藏了我们的作品,我感到非常荣幸,更要感谢省美协领导的莅临,这对于我们是最大的支持和认可。


说我的作品吧,我从小学就开始学习中国画,主要是最传统的海派画法,对此我还非常痴迷,这既是我的优势,也是我的弱点,让我一直被传统所束缚,一直处于临摹阶段,没有自己的面貌。直到大学毕业后去北京学习了一段时间,眼界开阔了,思想也变了,对创作也有了新的认识,更知道传统水墨是不可以放弃的,但是也不可以太痴迷到里面,懂得了笔墨当随时代,年轻人应该画出新时代的感觉。想法有的时候是自然而然形成的,我不好说是怎么画出现在的感觉的,这么说吧,古人画人物画画的是身边人,不是编出来的、也不是想象出来的,是真实存在的,所以我开始画我身边的女孩,画我同龄的女孩,最了解的,我越了解她,画的才能越生动、越真实。我可能画不了忧伤,画不了多么宏大有历史感的东西,因为我没经历过忧伤,我的生活里更多的是美好,所以我开始画美好。刚开始画《都市丽人》系列作品,就是我的同学、姐妹,画她们的日常生活,主要内容其实就是用最传统的技法来表现现代都市女孩最向往的美好生活。后来我想给画面赋予浪漫的色彩,所以我就加了动物在里面,最终选择马是觉得它更拟人化一点,跟女孩有一种眼神互动在里面。女孩子心中都有个白马王子,既是朋友、闺蜜,也可能是爱人,它能给画面带来力量感,就画出了现在的《晴空》系列作品,主要内容也更加丰富,蓝天碧海、大自然、动物植物还有新鲜的空气,这些元素自然和谐的在一起,不是刻意在追求什么,而是表达了我自己生活中的真实感受。是对绿色生活、低碳生活的向往和倡导,是对美丽地球的渴望。我这些年确实拿到一点成绩,也得到大家的认可,我也知道还有不完善的地方,不好突破,有时也有瓶颈,今天来到这里我跟老师和画友们学到了很多,启发很大,也许我开完这个研讨会,创作就会有所突破了,今天看到了很多年轻学弟学妹们的作品,我想说,你们真棒!都这么有想法、都这么有创意,我好像又守旧了,我的思想应该再跳跃出来一点也许会更好,向你们学习。最后我想对来看画展的朋友们说:我想说的都已经画出来了,观者个体不同,看同一张画的感受就会不同,你所感受到的正是我想要告诉你的,谢谢大家!

田卫平:朱晶画了很多,而且有的画幅很大,首先肯定她的画是这个时代的人画的画,这个是应该的也是必须的,这点做到了。至于这个画该怎么画还需要再探索。因为国画问题很多,关于中国画和当代视觉语言是一个很多人都在研究的一个问题,这个问题需要我们画画的人去好好揣摩,画面要有时代感,有当代人的审美观念在里面,这是必须的。

田卫平:苗雨晴。

参展艺术家苗雨晴女士发言

梦幻如铸第一章.时间治愈一切 

纸本水墨 105X71CM 2016

苗雨晴:我首先还是要说一些感谢的话,首先谢谢田老师给我参加这次参加展览的机会,也感谢省美术馆给我这么一个好的平台,作为在现场当中唯一的一名90后,能和各位师长参加展览,特别荣幸,也算是给我一个非常好的起点。那下面我想跟大家说一下关于我的创作,我创作开始的起点是从大三开始的,百鸣老师一直是我的本科老师,我在大三以前都是一个属于特别混的学生,百鸣老师称我为一个没有存在感的学生。大三开始有了危机感,还有一年多毕业了,不知道怎么选择未来的路,但是心里总是有一个梦想,特别喜欢画画,马上毕业了,觉得时间来不及了,我想办法突破,一直找百鸣老师聊天,那时候正好我们属于马上要进行创作的阶段,我就在和百鸣老师说了很多我想表达的故事,我开始关注我自己内心的情绪,表达自己内心情绪的故事,不再关心技法,认为中国画不应该被条框所规矩着。我作为当代人不了解古代人的生活,我没办法将古代人的符号生硬的用到我的创作中,我要寻找我自己的语言。《幻梦如铸》这个系列像我的一本日记,更像是我的时间轴,记录现在、过去可能还有未来的故事,想要表达不断成长的过程,我在真实世界不断感受,继而创造出自己的理想世界,把梦幻感继续下去。《镜子偷听了我们的对话》这个系列虽然看起来是卡通的形象,但是我想表达更深刻的东西,因为它就是一面镜子,我想让大家感受到自己内心最真实的一面,面对一个真实的自己。我的创作大概是这些,谢谢大家!


田卫平:真年轻,23岁,前程无量。坚持走学术的路,一定要坚持走学术的路,不要动摇。

李百鸣:苗雨晴我教过一段,当时她上大三,创作课。我那个时候就想能不能让他们画一些自己的东西,他们在那之前一直在上临摹和写生。他们的写生是一种完全脱离开实景的写生,或者说他们不太会将语言运用在实景之上,或者说将自然真实翻译到艺术表现的能力很弱。就是机械的把临摹套到实景上。她刚开始创作特别困难,每天拿着笔,也不知道要画什么,你问她说要表达什么东西,她自己也不知道。那时候我是先看创意,创意通过了,就可以开始画,如果第一天通过第二天就可以开始画了。她到第八周最后倒数第二天第三天才通过,而且她是仅有的几个创意通过的学生,剩下那个班的学生那八周课的时间里一直在解决画什么的问题。每天很多创意提交上来,拿给我看,然后被打回去,再重新来。他们那时候最大的问题是:他们的创作和他们的生活以及感受是脱节的。所以我想做一点点工作,就是把他们引到那个临界点上,剩下的是你自己必须把窗户纸捅破。我记得很清楚,她拿一个很小的纸给我看,上面用铅笔画了一个小女孩,小小的。我说,你画的是什么,她说她画的是自己,然后就通过了。之所以能够通过,是因为在那张小纸上我看到一个创作者倾诉的欲望,她在自己的心灵和生活里发现了无尽的宝藏,后面的一切就顺其自然的出来了。我觉得她是在画心里的东西,或者说,画里面放了心进去。一下子那层窗户纸就捅开了。

田卫平:沈鹏说一说。

参展艺术家沈鹏先生发言

排挤图  

纸本水墨 70X35CM  2017

沈鹏:我在小的时候特别喜欢看连环画,毕业以后也画了两年的连环画,2011年毕业一直到2015年这个期间就没怎么继续画下去,因为我不知道应该加入什么相关题材来丰富自己画面。偶然有一个画展要求我参加,我就尝试把连环画所呈现的东西用一种新的笔墨语言加以整理,表达自己内心的想法,和自己的认知,之后也得到了画界的认可。我庆幸本科是国画专业,使我掌握了许多专业的中国画绘画技巧,我的画面中多数运用极细腻的线条去组织程式,运用绘画技法中的皴擦点染构成自己画面中人物铠甲的造型,但我希望可以把画面画的更加饱满,充实。后来又尝试画了一些大画,在画面中加了一些大面积的花布成分。我生于东北,选用的画布也是东北所特有、常见的大花布,展览的过程中使大家从画面中很容易辩识出特有的东北面貌,具有了一定的地域性,也得到了一些朋友和老师的认可,但是仍然有很多地方多有欠缺,仍需要时间、阅历慢慢滋养,谢谢田院长能够给予如此专业的平台参与艺事。就这些。

田卫平:其实你要把握住一个“度”的问题,人物造型绘画的趣味性很有意思,但偏一点可能变成漫画,要注意这个,把握住这个。

沈鹏:当时加红鼻头,因为东北天冷,一冻鼻子就红了。再一个意思是鸿运当头嘛。

田卫平:该王仁亮讲了。

参展艺术家王仁亮先生发言

提亚马特 

铸铜  97X35X30CM  2013

王仁亮:我作为本次展览中唯一的一个做雕塑的,感到很荣幸,感谢田老师!


我说一下我近几年的艺术创作的一些体会,我觉到应该从三个方面说,一是精神方面,二是自然方面,还有一个概念是审美合理(或视觉合理)。


先说精神方面,当下社会太重视对物质追求而严重忽视了精神追求。今天早上开车的时候胡思乱想:医院里有一种疾病的治疗单位叫精神病科,主要治疗人的精神层面疾病;而当下社会中人对于物质的过分追求,使社会中的精神与物质严重失衡,“物质病”其实成了社会中普遍的严重性疾病,并急迫地需要治疗。在2013年创作《提亚玛特》的时候,是基于对精神的向往,我选择了一个传说故事--具有高级精神文明的提亚玛特星人为题材,创造了自己内心中的提亚玛特星人形象。


在这件作品中我还要阐述一个问题,就是我刚才提到过的一个词:审美合理,也叫视觉合理,这是针对自然合理来说的。从上大学到2013年这段期间里,我做所有雕塑作品都是写实风格的,追求自然合理,到2013年创作《提亚玛特》作品的时候,忽然发现在做创作的时候,一贯采用的写实方式(自然合理)满足不了这个作品所要表达的目的,就自然地把创作作品的各段落比例关系进行夸张和变形。这种夸张与变形,是创作中出现的,是脱离了描摹自然而对视觉合理自然性的转变。


还有一点是自然性。从2015年开始受到柴烧这种独特的艺术形式的影响,我研究并建设了适合黑龙江特点的寒地柴窑--上京窑,并以柴烧的方式进行雕塑和陶瓷创作。柴烧的本身是自然造物的过程,是大自然用金、木、水、火、土元素去创造同我们一样具有生命力的、唯一性的陶瓷,柴烧的过程跟生命创造的过程在一定意义上是一致的,柴烧作品中形成的所有变化都是自然赋予的,而并非人为规定的。在柴烧雕塑创意这一块,主要要说的是它的自然属性与人为因素的配合,通过人为创造一些具体的立体形象,然后通过柴窑烧制赋予作品自然变化,这样认为与自然有机的结合。这是我要阐述的这两年创作作品中的自然属性。
我就说这些,谢谢!

田卫平:请杜宝印教授讲一讲。

浙江工业大学艺术学院教授杜宝印先生发言

杜宝印:黑龙江文化艺术的发展我一直很关心,因为我也是从这里出去的,离开哈尔滨十几年,岁月流转、人群更替,这次回来看望诸位老朋友,恰逢田老师主持的的展览,田卫平主席、李振宇秘书长,都是我们从前的好朋友,现在都是黑龙江艺术发展的主管,非常高兴与希望黑龙江的美术在他们的领导下有更大的发展,黑龙江美术会发展的,最重要的是他们有热情、有这方面的能力,这是我想说的。
还有,我觉得大家的发言都在积极探索和寻找艺术语言本体性的问题,艺术实验这很重要。当下的艺术,平台也是越来越走向民主和民众,现在微信包括网络非常发达,无论你在哪里,有才华的作品都会被挖掘出来,我希望艺术家把握住时代赋予的机遇,创造出好作品。多多的为哈尔滨这个欧版的魅力城市增加亮点。
艺术家都要靠作品说话,好作品即是个人的又是社会的财富,一个城市最重要的是文化,城市文化的象征就是这里有没有好的艺术家、好的作品。我们到任何一个城市首先要了解这座城市有什么样的景观,艺术家与博物馆无疑是重要的看点,比如说到荷兰就会想到伦勃朗与梵高,人们从世界各地去荷兰,都会拜读他们的艺术,同时他们的艺术馆也是荷兰的重要的艺术经济产业。哈尔滨是有艺术土壤的城市,这里出了很多杰出人才,当代的艺术家与官方的艺术家都有很多案例等待整理发掘,希望家乡艺术在朋友们、兄弟同道的推动下繁荣昌盛,尽早建立有特色的当代艺术馆,为这个时代的艺术保留优秀的艺术,为后辈的艺术学习提供证明,谢谢大家!

田卫平:研讨会就开到这里,谢谢大家。